Japanische Musik

Gagaku, „elegante Musik“, kam zwischen dem 5. und 9. Jahrhundert aus China, Korea und anderen Teilen Asiens nach Japan und wurde am Heian-Hof gefestigt. Bis heute spielt sie die Musikabteilung des Kaiserlichen Hofamts sowie an großen Schreinen und Tempeln – mit Instrumenten wie der Mundorgel Shō, der Doppelrohrblattflöte Hichiriki, der Querflöte Ryūteki, Trommeln und Gongs. Bugaku ist ihre Tanzform.

Buddhistischer Gesang (Shōmyō) und die Musik des Nō-Theaters mit Flöte, Trommeln und dem Rezitationsgesang Utai gehören zur selben älteren Schicht der japanischen Musik.

In der Edo-Zeit blühte die städtische Musik auf. Die Shamisen, eine dreisaitige Zupflaute, die im 16. Jahrhundert aus der okinawanischen Sanshin hervorging, wurde zur Stimme der Bürgerkultur: Sie begleitete Kabuki, den Erzählgesang des Bunraku und die Lieder der Geisha. Die Koto, eine lange Wölbbrettzither mit dreizehn Saiten, entwickelte Yatsuhashi Kengyō im 17. Jahrhundert zum Solo- und Kammermusikinstrument; sein Stück Rokudan no Shirabe gehört bis heute zum Standardrepertoire. Die Shakuhachi, eine längs geblasene Bambusflöte, spielten die Komusō-Mönche der Fuke-Schule des Zen als spirituelle Übung.

Min'yō, Volkslieder, die mit Arbeit, Fischfang, Festen und Regionen verbunden sind, leben in ganz Japan fort – vom Sōran Bushi der Heringsfischer Hokkaidos bis zum Awa Odori in Tokushima. Die sommerlichen Bon-Tänze (Bon Odori) halten viele lokale Lieder lebendig.

Das Ensemble-Trommeln (Kumi-daiko) auf großen Taiko entwickelte sich nach dem Zweiten Weltkrieg zur Bühnenkunst. Die seit 1981 auf der Insel Sado ansässige Gruppe Kodo trug es in die Konzertsäle der Welt.

Der japanische Schlager des 20. Jahrhunderts heißt Kayōkyoku, ein weiter Begriff für Lieder, die westliche Harmonik und Instrumente mit japanischer Melodik verbinden. Seine Königin in der Nachkriegszeit war Misora Hibari, die von ihrer Kindheit Ende der 1940er-Jahre bis zu ihrem Tod 1989 auftrat. 1963 stand Sakamoto Kyūs Ue o Muite Arukō, im Ausland als Sukiyaki veröffentlicht, als erster japanischer Titel an der Spitze der US-Billboard-Charts.

Enka, ein sentimentaler Balladenstil mit vibratoreichem Gesang, Themen wie verlorene Liebe, Hafen, Sake und Heimat und einem Bühnenbild im Kimono, spaltete sich Ende der 1960er-Jahre als eigenes Genre ab – im deutschsprachigen Raum wird er gern mit dem Schlager verglichen. Die NHK-Sendung Kōhaku Uta Gassen, ein Liederwettstreit, der seit 1951 jedes Jahr an Silvester ausgestrahlt wird, ist seit Langem die nationale Bühne für beide.

In den 1970er- und 1980er-Jahren fingen die „New Music“ der Singer-Songwriter und der City Pop – glatter urbaner Pop mit Einflüssen von amerikanischem Softrock und Funk – die Stimmung der boomenden Städte ein; Titel wie Takeuchi Mariyas Plastic Love (1984) fanden Jahrzehnte später online ein neues, weltweites Publikum. Yellow Magic Orchestra, 1978 von Hosono Haruomi, Sakamoto Ryūichi und Takahashi Yukihiro gegründet, war ein Pionier des Elektropop – ähnlich wie Kraftwerk in Deutschland.

Der Begriff J-Pop verbreitete sich um 1990. Das folgende Jahrzehnt war der Höhepunkt der CD-Verkäufe, mit Künstlerinnen wie Utada Hikaru, deren Debütalbum First Love (1999) zu den meistverkauften Alben der japanischen Geschichte zählt, und mit Produzentenprojekten. Rockbands entwickelten Visual Kei, einen Stil mit extravaganten Kostümen und Make-up, verbunden mit X Japan und vielen späteren Bands. Idol-Gruppen – von den Solo-Idols der 1970er- und 1980er-Jahre bis zu großen Ensembles wie AKB48 (2005) – bilden eine eigene Industrie, die auf Fan-Veranstaltungen beruht. Vocaloid-Software mit der virtuellen Sängerin Hatsune Miku (2007) und Anime-Songs (Anison) sind weitere Säulen der Szene.